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ベルリオーズは破格の天才だ!!

クラシック音楽を好きな人はベルリオーズの「幻想交響曲」に対してどんなイメージを持っているのだろうか。
オーケストラの機能をフルに活かした、華麗でダイナミック、ロマン派の代表的作品というイメージではないだろうか。
この曲には「ある芸術家の生涯の出来事、5部の幻想的交響曲」という副題がついており、作曲者の感情、ドラマが描写されている。ロマン派の作品らしく、作曲者の心の起伏が余すところ無く描かれた作品だ。
「幻想交響曲」はオーケストラを自由に駆使している。第2楽章の甘美なワルツ、第5楽章の管楽器を鳴らし切った圧倒的なフィナーレなんかを聴いていると、オーケストラの魅力、特にフォルティッシモの魅力が大迫力で伝わってくる。
そんなことから「幻想交響曲」はドボルザークの「新世界より」、チャイコフスキーの「悲愴」等と同じ頃に作られた作品と言うイメージを、クラシック音楽に親しみ始めた中高生の頃から持ち続けていた。

ところがある時、「幻想交響曲」が1830年に作曲された作品であることを知った。即ちベルリオーズさんは19世紀前半に活躍した作曲家だったのだ。
19世紀前半にあんな音楽を作るなんて、ベルリオーズって凄すぎないか?

比較の為に他の著名オーケストラ曲の書かれた時期を調べてみた。
モーツァルト 交響曲第40番/1788年
ベートーヴェン 交響曲第9番「合唱付き」/1824年
シューベルト 交響曲第9番「ザ・グレート」/1825年
ベルリオーズ「幻想交響曲」/1830年
シューマン 交響曲第3番「ライン」/1850年
リスト 交響詩「レ・プレリュード」/1854年
ブラームス 交響曲第1番/1876年
マーラー 交響曲第1番「巨人」/1890年前後
チャイコフスキー 交響曲第6番「悲愴」/1893年
ドボルザーク 交響曲第9番「新世界」/1893年
ホルスト組曲「惑星」/1910年代

こう年代順に並べてみると、幻想交響曲はとても斬新なことがよく分かる。幻想交響曲はベートーヴェン「第9」の僅か6年後に作られ、「新世界」や「悲愴」より60年以上も前の作品だ。ベルリオーズが生まれたとき(1803年)、シューベルトはまだ6歳、ハイドン(1732年-1809年)も存命だった。
ちなみに幻想交響曲の書かれた1830年には、メンデルスゾーンが「フィンガルの洞窟」の初稿、ショパンがピアノ協奏曲第一番を完成させている。

ベルリオーズは、正に天才、異端児だったようだ。彼はオーケストラの規模を拡大し、効果的に響かせる方法を生み出した。
ベルリオーズは、「管弦楽法」という大著を残しているが、後世の作曲家達、チャイコフスキー、ヴェルディ、ワーグナー、リヒャルト・シュトラウスなどに大きな影響を与えた。また、「管弦楽法」の最後には、ヴァイオリン120人、チェロ45人、総計465人いう超巨大編成オーケストラ構想が書かれているのだとか。やはり天才の考えることは、常人のレベルを遥かに超えているようだ。芸術の世界は、こうした破天荒な天才たちによって進化していく。

ところで、ベルリオーズというと「幻想交響曲」ばかりが目立っているが、その他の作品も当然素晴らしい。私は「イタリアのハロルド」という、ビオラが大活躍する作品も時々聴いている。心がウキウキするような楽しい曲だ。これもお薦め。

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今年(2013年)は、吉田秀和氏生誕100年

音楽評論家である吉田秀和氏は、1913年9月23年に生まれ、昨年(2012年)の5月22日に亡くなった。もし存命であれば、今年は100歳を迎えていた。氏が担当していたNHK-FMの「名曲の楽しみ」は1971年開始の超長寿番組で、亡くなった後も、残された録音、原稿をもとに昨年一杯放送された。ちなみに1913年は「春の祭典」が初演された歴史的な年であり、ブリテン、ルトスワフスキーも生まれている。

氏は雑誌「レコード芸術」に新譜の批評をよく書いていた。私が社会に出て稼げるようになり、自分の金で好きなだけCDや楽譜を買っていた頃、レコ芸(レコード芸術)をよく立ち読みし、面白いければ、そのまま購入した。氏の解説は大変分かり易く、読んでいるだけで素晴らしい音楽が聴こえてくるような錯覚を覚えたもので、それは1つのマジックと言っても良かった。
氏の名解説のお陰でシノポリのシューマン/交響曲第2番、ラドー・ルプーのシューベルト/即興曲集、内田光子さんのモーツァルト/ソナタ等を聴くことが出来たのだ。シューマンの交響曲第2番の第2楽章スケルツォでは、「ちょっとでも切りつけると、血がバッとほとばしり出るような熱い演奏」と書いていた。
レコ芸の文章が面白かったので、氏の著作も幾つか読んでみた。「世界のピアニスト」、「一枚のレコード」、「 世界の指揮者」等々。この中でよく読んでいるのは「世界のピアニスト」。何しろ吉田氏は1940年代から評論活動を続けているのだ。歴史的なピアニストの演奏を生で聴いたり、直接会って話をしたりしている。

サンソン・フランソワの章では、フランソワが来日時(1956年)の演奏について触れている。フランソワはショパンのバラードの最後の音を派手に間違えたが、観衆からは大喝采を受けたのだとか。照れ臭そうに拍手を浴びているフランソワの様子が目に浮かぶようで大変面白い。
あのミケランジェリとも会っている。対面のとき、ミケランジェリは、黒ずくめのコートとスーツを着ていた。コートを脱ぐと、赤葡萄酒色のタートルネックのセーターが現れ、それが大変印象的だったようだ。更にミケランジェリの手の平は、12度は届きそうな大きさだったらしい。通常ピアニストは10度の音程が出せるよう訓練するが、ミケランジェリにその訓練は必要なかった。

氏の評論が好きなのは、その分かり易さにある。難しい言葉遣いは少なく、読んでいるだけで読者は吉田氏と一緒に名演奏を追体験できる。
「私の好きなピアニスト」では沢山の譜例が載っていることも特徴で、譜例が重要な役割を担っている。吉田氏は、音が出た瞬間に消えていく音楽という芸術に対して、可能な限り具体的な説明を試みた評論家と言って良いのではないか。

吉田氏の業績は音楽評論にとどまらない。「子供の為の音楽教室」を斎藤秀雄氏、井口基成氏らと開設したが、その第一期生には 小澤征爾さん、中村紘子さんらを輩出している。「子供の為の音楽教室」は、後の桐朋学園音楽部門の母体となった。

2013年も残すところあと2ヶ月余り。今年が終わる前に、氏の業績を讃える意味で、この文章を書かせて頂いた。

世界のピアニスト―吉田秀和コレクション (ちくま文庫)
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今年は「春の祭典」が誕生して100年

今年(2013年)のちょうど100年前、ストラヴィンスキー「春の祭典」の初演が行われた。

「春の祭典」、いわゆる”ハルサイ”は20世紀に生まれた管弦楽作品の中で、ひときわ高くそびえ立つ、記念碑的な作品である。

この曲の初演が非難と怒号の中で行われたことは、クラシック音楽を聴く人には有名な話だ。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%98%A5%E3%81%AE%E7%A5%AD%E5%85%B8#.E5.88.9D.E6.BC.94″>http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%98%A5%E3%81%AE%E7%A5%AD%E5%85%B8#.E5.88.9D.E6.BC.94

サン=サーンスは冒頭を聴いた段階で「楽器の使い方を知らない者の曲は聞きたくない」といって席を立ったと伝えられる。いかにも保守的な作風のサン=サーンスが語りそうな言葉だ。

サン=サーンスを不快にした楽器とはファゴットのことだ。ファゴットが奏でる冒頭の旋律は、ファゴットにはかなり高い音域だ。ファゴットは音量・音程のコントロールが難しい楽器のようで、特に高音域の旋律は、奏者に大きな緊張感を強いる。その緊張感を伴った響きをストラヴィンスキーは、意図して使ったのだ。この旋律をオーボエやクラリネットが演奏しても、ハルサイの異様さを表現できなかっただろう。ハルサイの革新性は、冒頭から発揮されていたのだ。

このあたりの事情、ファゴットを吹く友人に聞いてみた。彼はアマチュアオケで何十年もファゴットを吹いている。彼に言わせると、ハルサイの冒頭の旋律は確かに難しい。その対策として、高音域が鳴りやすいように調整したリードを用意することも、一つの方法として考えられるとのことだ。その場合、冒頭の旋律が終わったら通常のリードと交換する。ファゴット奏者にとって、ハルサイは厄介な曲のようだ。

私がハルサイを聴いたのは1980年代、友人がレコードからカセットにコピーしてくれたロリン・マゼール指揮の演奏だった。マゼールは多少誇張を含んだ表現で、ハルサイの面白さを充分に引き出していた。私にとってハルサイとは、マゼールの演奏するハルサイが原点となっている。

20世紀を代表する現代曲だったハルサイも気がつけば100歳の誕生日を迎えた。最初に聴いた頃は、ハルサイは新時代の現代曲というイメージが有ったが、気がつくと100年前の曲になってしまっていた。つくづく時間が経ったんだなという感慨に襲われる。

しかし、ハルサイは凄まじい曲との思いは今でも変わらない。同時代の他の作曲家の作品と比べても異色であるばかりでなく、ストラヴィンスキーの作品の中でも、特異であると思う。
ハルサイは「兵士の物語り」、「詩編交響曲」、「イタリア組曲」のどの曲とも似ていない。他のバレー曲「ペトリューシカ」、「火の鳥」と比べても、共通点を探ることは難しい。

「春の祭典」とは音楽の神様が、人類の為に、20世紀を切り開く音楽としてを、ストラヴィンスキーを介してこの世に降ろしたくれた作品ではないだろうか。

この文章を書いている最中に、素晴らしいニュースを知った。

私にハルサイの素晴らしさを教えてくれたマゼールが、日本でハルサイを演奏したというのだ。私はマゼールが最近どうしているのか知る機会が無かった。何となくもう指揮者を止めているのではないかと漠然と思っていた。しかしそうではなかったのだ。マゼールさんは、80歳の年齢にしていまだにハルサイを演奏していたのだ!!!!

率いるオーケストラは、ミュンヘン・フィル。あのチェリビダッケが晩年に沢山の録音を残したオーケストラだ。

http://mashi1978.blog97.fc2.com/blog-entry-183.html

このリンクの記事を見ると素晴らしい演奏だったようで、感無量としか言い様が無い。マゼールと同じ80歳の三浦雄一郎さんも、エヴェレストに登頂したというニュースが入ったばかりだ。(5/23)。
エネルギー溢れる二人の80歳に心から敬意を表したい。

私がこの曲に思い入れがあるのは、この曲のアナリーゼのレッスンを受けたことがあるからで、スコアも持っている。

私がこの曲の中で特に好きなのは、”Spring Rounds”(春のロンド)の部分。聴いていると脳味噌が爆発しそうな感覚になる。音楽の神様は、こんな素敵な曲を地上に降ろしてくれたものだと心から感謝したい。

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昭和の名曲

昭和を代表する歌として、美輪明宏「ヨイトマケの唄」は絶対外すことは出来ない。
繰り返すが、2012年紅白での「ヨイトマケの唄」は、圧倒的だった。

昭和を代表する歌として、他に挙げる曲は何か? 私は次の歌を挙げたい。それは

ハイそれまでヨ/植木等歌、青島 幸男作詞、萩原 哲晶作曲

なのである。青島幸男さんは、作詞家、放送作家、「いじわる婆さん」ではお婆さん役を演じ、後には東京都知事にもなったマルチタレントの人なのである。萩原哲晶さんは、クレージーキャッツの曲を手がけた芸大卒の作曲家である。

この曲の魅力は何か?
簡単に説明すると、憂愁に満ちた切ない旋律とそのあとに続く、ばかばかしさが際立ったメロディーとの対比。 その2つを繋ぐのが、

”てなこと言われてその気になって”

のフレーズ。このフレーズによってもたらされる、大どんでん返しの面白さは、比べるものがない。

全く異なった世界が、見事に共存しているこの奇跡を何と表現すればいいのだろう。

「今の時代、こんな歌は聞かれないよな」とつくづく思う。そして歌詞も乱暴この上ない。

ふざけやがって
ふざけやがって
ふざけやがって
コノヤローーーーーー( ;∀;)

粗野極まりない言葉が、容赦無く鼓膜に突き刺さる。
「ヨイトマケの唄」も「ハイそれまでヨ」も、人間の生きる辛さを、微塵も隠すことなくストレートにぶつけた昭和の名曲なのである。 勿論、この曲の素晴らしさを120%出し切った植木 等さんの存在も忘れることは出来ない。

伴奏の音楽もとても良い。ビッグバンド風サウンドに、隙は全く見られない。”ハイそれまでヨ”の歌詞に続く、不協和音の連打が心地よい。

私は、この曲をカラオケで歌いたいし、若い世代の人たちにも伝えたい。

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圧巻だった「ヨイトマケの唄」

昨年の大晦日、「紅白を見よう」と何気なくテレビのスイッチを入れると、黒髪の男の人がマイクの前に立っていた。
一瞬「演歌の人か、あ~」と思ったのですが、良く見ると黄色い髪ではない美輪明宏さん、そして歌っているのが「ヨイトマケの唄
」。

これにはやられた。圧倒された。もう泣けて泣けて(;_;)
歌の力は凄い!!

ネットを見ると美輪さんの歌には多くの人が共鳴したようですね。4日経ち、未だ余韻が冷めやらず、新年を迎えるにあたり、大きなパワーを頂きました。今年は、ヨイトマケパワーで大きな飛躍が出来そうな気がしてきました。

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師匠の教え

学生時代、渡邉範彦師匠の家に出入りしていたころの話。

確か初夏の頃だったと思う。当時から私はビールが好きだったので、 師匠のレッスンを午後に控えていたにもかかわらず昼食の際にビールを飲んでしまった。

今から思うと学生の分際で昼間から飲むとは、ちょっとダラケ過ぎと思うのだが、飲んでしまったのは仕方が無い。

その酔いも醒めないまま、 師匠宅にお伺いした。

「やばいなあ、飲んでいることがバレないかなあ」

挨拶をして少し話をしていると師匠に飲んできたことを気づかれてしまった。

師匠から注意されるかと思い少し緊張。

師匠「磯野さん、顔が赤いですね。飲んだでしょう?」(`Д´)

俺「は、はい」(^◇^;)

師匠「顔に出るからまずいんですね。どんどん飲んで顔に出なくなるくらい、お酒に強くなって下さい!!」(`ε´)/

俺「えっ?!」 (゚〇゚;)

世間からは、真面目な求道者と言うイメージが強かった師匠だが、柔軟でおちゃらけな側面もお持ちだったのである。

師匠の教えを忠実に守り、アルコールで鍛えた私は、幾つかのコンクールにて(どのコンクールかは極秘)アルコールを服用し、成果をあげたのであった。

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大西順子さんの引退

http://natalie.mu/music/news/75492

ジャズピアニストの大西順子さんが引退する。今年秋のライブツアーでもってライブ活動を止めると言うのだ。

大変残念だ。

 私が大西さんの音楽に触れたのはCDを数枚聴き、ライブを一回聴きに行った程度なのだが、大西さんのパワフルな演奏はかなり私の好みだ。特にデビューアルバムWOWは今でも大好きで「大西順子」の名前を聞くとWOWの冒頭のメロディーが条件反射的に思い出される。

 何が大西さんを引退に駆り立てたのだろうか?

 言うまでもなく、ジャズはオリジナルな音を造ることが極めて大切な音楽だ。いくら上手に完璧に弾けても、それが他のミュージシャンのコピーだけなら、ジャズミュージシャンとしての存在価値は全くないに等しい。
楽譜に書かれた音符をきちんと演奏すればそれなりに音楽として成立するクラシック音楽とは、その点で決定的に異なる。

 引退発表の文章の中で、
「既に存在するものを自分というフィルターを通して焼き直すだけだったようにも思われます。」
と書いてある。

ジャズという大海の中でオリジナリティを出し続けることに限界を感じていたようだ。また引退を決意するまで充分に考えていて、完璧に気持ちの整理をつけての引退のようだ。

 止めると決断するまで、ネガティブなことばかりではなかった。
「 以前より楽器の扱いやハーモニー、フレーズ、リズム、などをより多角的に勉強し、ある程度自分の中では達成感を得、またそれを前作「バロック」で昇華させるチャンスを頂き、その出来具合には個人的に大変満足することができました。」

と確かな手応えも有ったようた。

 とにかくお疲れ様でした。
そしてゆっくり休養して下さい。充分な休養の後、もし新しい音楽か見えてきたら是非ステージに戻ってきて下さい。

 目をつぶると、大西さんが新しい音楽を引っさげて、躍動しながらピアノを弾いている姿がくっきりと浮かんで来る。

 

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デュリュフレのレクイエムを戸塚混声合唱団で聴く

この曲と出会ったのはいつの頃だろうか。恐らくはCDを買いまくっていた1990年前後だったと思う。

そのCDとは、

モーリス・デュリュフレ/「レクイエム作品9」、「4つのモテット」
指揮/ミシェル・コルボ、コロンヌ管弦楽団・合唱団
メゾ・ソプラノ/テレサ・ベルガンサ
バリトン/ホセ・ファン・ダム

ほぼ同じ時期にコルボ指揮によるフォーレ「レクイエム」も購入した。デュリュフレのレクイエムをどのような状況で知ったのかは、今となっては全く憶えていない。誰かが教えてくれたのか、、、そうではない気がする。店頭で衝動買いしたのか。あの頃はフランスもの、現代ものを沢山聴いていたから、あり得るかもしれない。きっかけはどうあれ、何回も聴いている内にこの曲が大のお気に入りになり、その後も様々な演奏家のCDを買い、気がつくとスコアも購入してしまった位だ。

1992年に、コルボさんが来日してデュリュフレを演奏したときは、一音も聴きのがすまいとの思いで聴き、美しい響きを堪能した。

先日(2012年7月21日)、人生で2回目となるデュリュフレの生演奏を聴いてきた。演奏は戸塚混声合唱団/指揮・星野聰。メンバーにお知り合いの方がいて、その方に「デュリュフレのレクイエムは良いですよ」と話をしたらしい。それを憶えてくれていてコンサートの案内を頂き、聴きにいったという訳です。
戸塚混声合唱団第14会演奏会
2014年7月22日
指揮/星野 聡
メゾソブラノ/牧野 真由美
バリトン/成田 眞
オルガン/坂戸 真美
管弦楽/グランベーネ管弦楽団

出だしの数小節で、電光に打たれたように体がしびれてしまい、不覚にも涙が流れてしまった。涙をぬぐい鼻水をすすりながら音の流れに身を任せる。曲が終わるまでの45分間はあの世を彷徨っていたような気がした。私が此の世を去るとき、お別れの会で流してもらう曲は「デュリュフレのレクイエム」と決めていたが、その思いを再確認することになった演奏会だった。本当に素晴らしい時間を過ごせたことに心から感謝したい。
デュリュフレのレクイエムは、グレゴリオ聖歌を引用しており、歌の部分を聴いていると中世の時代にタイムスリップした感覚に陥るし、オーケストラが精妙で色彩的な響きを奏でている時は20世紀の作品以外の何ものでもない。
フォーレのレクイエムと共通する部分が多いと言われるが、20世紀の響きを感じさせてくれるところは、フォーレに無い部分だ。

それにしても、戸塚混声合唱団の皆さんはとても上手だ。聴きていて安心して音楽そのものに集中できる。アマチュアとプロとの距離は少しずつ接近しているように思う。

次回は秋にマーラーの「復活」をやるということだ。これも是非聴いてみたい。

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2012年ウィンブルドンの決勝でマレーはよく頑張った

昨日の夜、ゲーム(wii)をするためにテレビのスイッチを入れた。
チャネルを切り換えると、NHKでテニスの中継をしているところで、 画面いっぱいに拡がる芝生の緑に「おお、ウィンブルドンか」。 雨による中断のあと、コートの屋根が閉まり、選手のウォーミングアップが始まった。 実況していたのは、男子決勝の試合で、組み合わせはマレーVSフェデラー。折角なのでwiiを止めてしばらく見ることにした。

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練習曲をコンサートプログラムにする

練習曲をコンサートで演奏することを思いついた、と言ってもヴィラ・ロボスの12の練習曲やソルの有名エチュードを演奏するという話でない。それは誰でもやっていることだ。

私が考えているのはカーノ、カルリ、アグアド、ジュリアーニ、カルカッシなど、コンサート向けというより学習者向けの作品をコンサートで演奏するということだ。

しかし彼らの残した練習曲のあくまで練習曲だ。基礎技巧である音階やアルペジオ、ポジション移動、スラー、重音(3度や6度、オクターブ)の為の練習曲は、テクニック向上が目的であり、曲としてはそれほど面白いものではない。演奏時間も多くは1、2分の長さだし、数10秒で終わるのもある。コンサートで取り上げるにはちょっと物足りない。

でもそんな練習曲を手当たり次第弾いてみると、キラリと輝いている曲が見つかるのだ。
それも1曲や2曲だけではなく、結構見つかる。こうした小さな練習曲を拾い集め、ダイナミクスやテンポなどを工夫し、曲順も考えて1つのレパートリーにできないものか。

そんな発想でソルの練習曲を14曲選び、弾いたことがある。演奏時間は15分前後かかった。
一部のお客さんには多すぎるという声を頂いたが確かにそうだった。いくら輝く部分を集めて工夫したところで限界はある。せいぜい10分ぐらいが無理のない範囲だろう。その一方、別のお客さんからはなかなか面白い試みと言う声も有った。

ところで最近、こんなCDを見つけた。
宮下祥子さんの「ヴィルトゥオーゾ」。この中のアグアドの練習曲、ジュリアーニの前奏曲が目を引く。

3. アグアド:練習曲第18番
4. アグアド:練習曲第24番
5. アグアド:練習曲第3番

8. ジュリアーニ:前奏曲第4番op.83-4
9. ジュリアーニ:前奏曲第1番op.83-1

宮下さんはアグアド、ジュリアーニの楽譜を片っ端から目を通し、一つ一つ音を出して確認し、その結果選んだ5曲なのだろう。どんな演奏か大いに興味がそそられるところだ。

私もアグアドの練習曲から使えそうな曲を選んだことがあるが、宮下さんの選んだ曲をすべて含んでいた。私と宮下さんの着眼点が同じなのかな。

10/30(土)にソロコンサートを行うけれど、冒頭にカーノの練習曲を5曲演奏する。
お客さんは反応が楽しみだ。